面向5-關聯於音樂風格的美

文/樂品越樂

在所有的藝術中,音樂內容的表現最為抽象,猜測第一次聽到曲子的風格,是件有趣又新鮮的事。音樂風格的認識、分辨與覺察,沒有任何簡易方法或捷徑,品樂者只有在廣泛的聆賞經驗中進行歸納,尋找特定風格中的特徵。品樂者可能在獨特的音樂風格中猜到作曲家是誰?例如,巴哈(J.S. Bach, 1685-1750)在複雜的對位後還能產生的清澈和諧感覺、海頓(Joseph Haydn, 1732-1809)音樂中的寬廣質樸、莫札特(Wolfgang Amadeus Mozart, 1756-1791)的輕巧靈動、貝多芬(Ludwig van Beethoven, 1770-1827)埋在節奏中潛藏的力量與主題間的強烈對比等。此外,若能從音樂風格察覺其所屬的時代、民族或作曲家的性格,體會與該樂曲有關的創作動機、軼事或社會背景,更可開闊聆聽音樂的深度。

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圖片來源:祁海平 黑白交響

十七世紀的義大利作曲家發明了若干描述風格的音樂術語,例如,Stile antico指十六世紀較古老的對位風格音樂風格;Stile concertante指當時使用獨奏團及協奏團來演奏音樂的協奏曲風格;Stile concitato指戲劇性的激情表現風格。四百年來的實驗與嘗試,讓音樂的表現技法非常多樣,各個世代的作曲家可選擇並變化現有的技法並創造個人風格,例如,對旋律、調性、和聲、聲部、曲式及配器法等的獨到處理。一般來說,作曲家創造的音樂風格受到當時音樂風潮、民族性格與師承傳統影響。例如,韋瓦弟(Antonio Vivaldi, 1678-1741)受到巴洛克時期的義大利華麗風格的影響,海頓(Joseph Haydn, 1732-1809)受到德國曼汗樂派捨複雜和聲就旋律表現以及維也納宮廷及民間歌曲的影響,佛漢•威廉士(Ralph Vaughan Williams, 1872-1958)刻意在英國傳統民歌中尋找素材。但是,身處相同時代及相同民族的作曲家,他們的作品還是可能因個人特質透露出不同個性。

品樂者若想領略風格的美,可以從學者歸納出的特徵照表聆聽,或者是,藉由大量的聆聽經驗自行「歸納」出具鑑別力的特徵。之後,每次聆聽到一首新的曲子,就可以試著找尋之前知道的特徵,並推測樂曲的基本資料,做個音樂偵探,推敲作曲年代、作曲家、樂派、民族、曲子類型等。

談到風格,首先聯想到的是時期。例如,說到巴洛克時期,會聯想到「數字低音(Basso Continuo)」。在16世紀末義大利的宗教音樂就可以看得數字低音。當時,樂曲中除了包含好多聲部且聲樂與器樂混合外,還要加上管風琴。如果要把這些聲樂,器樂和管風琴的音一起寫在總譜上的話,一來需要很多紙,二來也要花很多時間,所以有些作曲家為了節省空間和時間,便開始在管風琴的譜上只寫上數字。在複音音樂轉變為主音音樂的過程中,數字低音也在這時期扮演重要角色。為了揚棄複音結構的合唱曲中常有幾個不同的字同時唱出而造成的不清楚現象,主音音樂乾脆採用單一旋律線。為了豐富音樂內容而不至於單調,作曲家使用和弦進行來支持旋律線,在樂譜加入數字低音。數字低音指在每個低音標記的數字,告訴演奏者該使用哪個和弦彈奏每個音符。然而,到了18世紀中葉,數字低音漸漸失去表演的舞台,淪為音樂時代的舊東西。因為作曲家不甘於只是以和弦來填充主旋律以外的音響,認為會讓音樂顯得過於呆板。所以,有些音樂學者也稱巴洛克時期為數字低音時期,因為數字低音在當時的樂曲幾乎無所不在,但之後卻漸漸凋零。此外,這個時代的樂曲大多採用規律重音為基礎的節奏,例如四拍(強-弱-次強-弱)、三拍(強-弱-弱)等。這種穩定的節拍從一開始就持續著,直到樂曲結束為止,獲得類似齒輪以平穩速度呼呼轉動的效果。巴洛克時期樂曲大多不刻意設計旋律,偏好由小動機出發,接著在不同聲部上穿梭,變化。小動機衍生出來的旋律線像是紡織機織布一樣,以開始的幾個音為主不斷的交錯編織,形成連續不斷的運動、擴展,延長一開始所展示的情緒特徵。又例如,洛可可時期(Rococo,介於巴洛克時期和古典時期間),因為製作技術的精進,讓樂器可以在音量上做更多的變化,這個時期的曼汗(Mennheim)樂派開始將音量變化予以擴展,除了大小聲以外,還加入了漸強(crescendo)和漸弱(diminuendo)等表情記號,使得以後的樂曲在音量變化上更顯細緻。而到了維也納古典時期,則一反巴洛克時期音樂的富麗堂皇、多裝飾的音樂風格。這時期的音樂不再以複雜的和聲(和弦的使用數量比起巴洛克時期為少)、也較少以複雜對位手法來創作複音織體音樂,取而代之的是用純粹的大、小調旋律來表現音樂。相較於巴洛克時期,古典時期音樂簡化了和弦的使用,使得主要旋律可以突出於音樂中。這時的和聲建立在音與音之間的協和或不協和的基礎上,協和和弦聽起來滿足與安定;不協和和弦聽起來不圓滿、焦慮與緊張。和聲就擺動於不穩定與穩定之間。不協和和弦奏出後,要連接協和和弦,解決之前出現的緊張感,才能令品樂者感到滿足與穩定。基本上,音樂以主音、屬音、下屬音三組和弦作為基本的配置規範,加上有條理的編排邏輯,不僅讓音樂的表情起伏有致,還能讓品樂者聚焦在主要旋律上。

接下來,品樂者容易聯想到的是樂派,但樂派之間並非是涇渭分明,這之間有傳承,也有創新。例如,從古典前期的曼汗樂派、維也納古典派、浪漫派、國民樂派到印象派,後期除傳承了前人的成果外,也對前人的音樂進行改良或變化。例如,在巴洛克時期,交響曲(Sinfonia,又稱為歌劇序曲)附屬於歌劇,作為歌劇開演前的出場音樂。但到了古典前期的曼汗(Mennheim)樂團則樹立了具完整獨立風格的交響曲。在樂曲形式上,改良了巴洛克時期三樂章的法國序曲與義大利序曲,而成為獨立的四樂章。此外,在演奏時,特殊的漸強、突強、突弱、突然休止等變化,使音樂充滿了強烈個性。維也納古典樂派傳承了交響曲的形式,並在第一樂章使用快板-奏鳴曲式(Allegro-sonata)將曼汗樂派開創出的對比風格推向極致。尤其在貝多芬(Ludwig van Beethoven, 1770-1827)的作品中,創造快板-奏鳴曲式的樂章中具強烈對比性的動機與主題,而音樂在發展時更擴大情緒差異,不斷敲擊並刺激著品樂者的聽覺感受。

不同類型的曲子也透露出不同的氣質。例如,巴洛克時期的法國序曲就有著獨特的悲劇劇情氣質,包含慢-快-慢三個段落,慢速度的第一部分使用壯麗的附點節奏;快速的第二部分使用賦格;最後再以慢速度與附點節奏結束。夜曲(nocturne)、小夜曲(sérénade,指傍晚演奏的聲樂或是器樂) 、多樂章組曲的嬉遊曲(divertimento)具有安靜帶點沉思的情緒,適合在夜晚聆聽。小夜曲常讓人聯想到在黃昏或月光下向愛人唱著表示愛慕之情的情歌,或拉奏著樂曲來表達愛意。說到夜曲,會想到低音部的分解和弦伴奏,並且期待高音部演奏出具夜的寂靜與夢般優雅的旋律。讓品樂者感受到夜深人靜時的內在情感,創造出一種柔和、夢想、優美、浪漫的印象或甚至是熱情的感覺。又例如,李斯特(Franz Liszt, 1811-1866)為了陳述一件軼聞,描寫一個景緻或表達音樂之外事物的感情,發明了交響詩(Symphonic Poem)的曲類,是一首以音符寫成的詩。這類曲子中充斥著主題動機與主題變形。主題動機描述標題內容中各種的人、事、物;主題變形則是主題動機因為情節的改變而變形,讓音樂生動表達試圖描寫的人、事、物。

如果一首曲子使用的是民族地方音樂的素材譜寫,就具有特殊的民族風情。一般來說,在奧地利、德國、法國等具有悠久音樂傳統國家以外的作曲家,為找尋自己民族音樂的特色,會在民間流傳的音樂中尋找靈感。他們譜寫的作品,在民族主義精神的感召下,具備獨特的民族風格。這類音樂作品使用非奧、德、法傳統的旋律、和弦進行、音色等,目的在表現出國家與民族色彩。例如,史麥坦納(Smetana, 1824-1884)譜寫的我的祖國組曲,傳達了斯拉夫民族的音樂風情。西貝流士(Jean Sibelius, 1865-1957)的芬蘭頌中的合唱表現人民熱愛國家的崇高感情。夏布里埃(Chabrier, 1841-1894)旅居西班牙幾個城市時,搜集研究當地民歌,並根據這些民歌當素材譜寫出熱情奔放的西班牙狂想曲(Espana Rhapsody)。

除了歸納出風格中的獨特要素外,品樂者亦可以再深入一些探索風格背後攜帶的聲音美學思考、哲理、社會文化等等議題。例如,文義復興時期的作品喜歡利用對位法來捕捉多旋律產生的聲音協和感。在此時期,對位法是作曲家的最高指導原則,謹守對位法中的各種規定,讓音樂進行中不違反重大的不協和聲響錯誤,此外,為增加聲響的豐富性,可允許小小的走岔,但必須短時間再回到協和的道路。作曲家追求的是多個旋律在對位法的原則下發聲時產生的協和聲響。對於協和聲響的追求,受到中古世紀基督宗教音樂的影響。在中古世紀,音樂用來讚美天上的主,讓信徒的精神獲得平靜,為禱告做好敬虔的心理準備,不協和的音響會破壞禮儀的莊嚴肅穆。到了巴洛克時期,已經沒有辦法再服從這樣的美學觀念,而是追求以單音旋律模仿文字中表達的情緒,降低了對位法追求協和聲響的權威。這樣的改變,起因於教會傳統權威受到質疑,人文主義抬頭,音樂不只存在於教堂,也走入每個人的日常生活。從巴洛克時期以降,音樂中的旋律性漸漸抬頭,音樂開始容易被品樂者記憶與吟唱。由於情緒表達的良窳容易受到人的主觀好惡影響,古典時期開始追求音樂中的理性,整體音樂的情感表達也像一門科學,有規則典範可遵循,具有一定的客觀性。因此,創造了曲式結構來適切兼容音樂中各式各樣的情緒,讓品樂者能理解音樂的美感。這也是啟蒙主義在音樂上的展現,讓音樂可以從王宮貴族走入平民百姓。聽眾包括業餘及專業的樂手,但也有甚麼都不懂的,素質參差不齊。為了要達到啟蒙大眾的目的,音樂就必須要盡量地清楚明瞭,至少要有一定的邏輯規則,讓聽眾在一開始便有所依據。至於音樂中的浪漫情懷,則試圖淡化過往遵循的作曲規則,更重視音樂的表現,以更自由的方式來表現繪畫、文學中的各式各樣內容,甚至表現作曲家內心的深層情感,不管是愛戀、快樂、悲傷、憂愁、憤怒等強烈的情緒。或者是,使用音樂來表現民族特色,充滿思念鄉土、愛國的情感。這是作曲家對浪漫主義追求,讓潛藏於個人內心的豐富情感透過音樂生動地表現出來,品樂者或許可在音樂中找到作品背後的強烈個性。

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